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Marlon Brando, da Don Vito Corleone a Ultimo Tango a Parigi

Ricordiamo oggi, in occasione del suo compleanno, una delle maggiori stelle di Hollywood, oltre che uno degli attori più carismatici e di maggior talento della storia del cinema. Allievo dell’Actor’s Studio, fu tra i primi grandi interpreti del Metodo Stanislavskij negli Stati Uniti; il suo immedesimarsi vivendo in empatia col personaggio di turno, rivoluzionò totalmente lo stile recitativo statunitense e mondiale ancorato alla forte teatralità dell’epoca, a favore di un approccio psicologico più marcato dei personaggi da interpretare. Parliamo di Marlon Brando, deceduto all’età di 80 anni nel 2004 ma che ricordiamo nel giorno del suo compleanno, il 3 aprile 1924, per essere stato un attore dai mille volti, dalla presenza fisica, atletica e imponente, contrastante con un viso angelico che gli ha concesso di distinguersi dalla norma degli attori di quel periodo. Sappiamo tutto della vita di un vero e proprio sex symbol, cresciuto nell’America del difficile dopoguerra degli anni Quaranta e dalla carriera durata circa sessant’anni?

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Marlon Brando, le origini di Bud…

L’attore nacque a Omaha, Nebraska, dai genitori Marlon Ernest Brando, produttore di pesticidi e mangimi chimici, e Dorothy Julia Pennebaker, in una famiglia comprendente anche due sorelle maggiori di nome Jocelyn Brando e Frances. I suoi antenati erano principalmente tedeschi, olandesi, inglesi e irlandesi: Johann Wilhelm Brandau, arrivò a New York all’inizio del 1700 dal Palatinato in Germania. Egli è anche un discendente di Louis DuBois, un ugonotto francese, che arrivò a New York intorno al 1660. Sua madre, conosciuta come Dodie, era anticonvenzionale per il suo tempo; fumava, indossava pantaloni e guidava automobili. Attrice lei stessa e amministratrice di teatro, aiutò Henry Fonda a iniziare la sua carriera di attore.

Tuttavia, era un’alcolizzata e spesso veniva portata a casa dai bar di Chicago dal marito. Nella sua autobiografia, Songs My Mother Taught Me, Brando ha espresso tristezza scrivendo di sua madre: “L’angoscia che il suo bere produceva era che lei preferiva ubriacarsi alla nostra presenza.” Dodie e il padre di Brando alla fine si unirono agli Alcolisti Anonimi per affrontare questa problematica. L’attore però nutriva molta più difficoltà nei rapporti con suo padre, affermando:

Ero il suo omonimo, ma niente di quello che facevo gli piaceva o lo interessava. Si divertiva a dirmi che non potevo fare nulla di buono. Aveva l’abitudine di dirmi che non sarei mai arrivato a nulla.

Intorno al 1930, i genitori di Brando si trasferirono a Evanston, in Illinois, quando il lavoro del padre lo portò a Chicago, ma si separarono nel 1935. Sua madre portò i tre bambini a Santa Ana, in California, dove vissero con lei, ma nel 1937 i genitori si riconciliarono, e l’anno successivo lasciarono Evanston per andare in una fattoria a Libertyville, Illinois, una piccola città a nord di Chicago. Tra il 1939 e il 1941, il giovane lavorò come usciere nell’unico cinema della città, The Liberty.

Brando, il cui soprannome d’infanzia era “Bud”, aveva sviluppato abilità di mimo fin dalla sua giovinezza, sviluppò una capacità di assorbire i modi di fare dei bambini con cui giocava e di reinterpretarli, ma in modo drammatico. Fu presentato a Wally Cox, anch’egli futuro attore, e i due furono amici per la pelle fino alla morte di Cox nel 1973. Nel biopic del 2007, Brando: The Documentary, l’amico d’infanzia George Englund ricorda che la prima recitazione di Brando consisteva nell’imitare le mucche e i cavalli della fattoria di famiglia per distrarre sua madre dall’alcool, mentre la sorella Jocelyn fu la prima a intraprendere la carriera di attrice studiando all’Accademia Americana di Arti Drammatiche di New York. Frances invece lasciò il college in California per studiare arte a New York.

marlon brando

Marlon dal canto suo frequentò la Shattuck Military Academy in Minnesota, dove suo padre aveva studiato prima di lui; il ragazzo eccelleva nel teatro e durante l’ultimo anno venne punito per essere stato insubordinato a un colonnello dell’esercito in visita. Fu confinato nella sua stanza, ma riuscì a scappare in città, dove fu catturato. La facoltà votò per espellerlo, sebbene fosse sostenuto dagli studenti, che pensavano che l’espulsione fosse troppo dura, e invitato a tornare l’anno successivo, ma il ragazzo decise invece di abbandonare l’accademia, andando a lavorare come scavatore di fossati. Cercò di arruolarsi nell’esercito, ma il suo esame di ammissione rivelò che un infortunio da football che aveva subito a Shattuck lo aveva lasciato con un ginocchio malandato e non fu arruolato.

…e le origini attoriali

Brando decise dunque di seguire le sue sorelle a New York, studiando all’American Theatre Wing Professional School, parte del Dramatic Workshop of the New School, con il regista tedesco Erwin Piscator. Nell’episodio di A&E Biography su Brando, George Englund ha detto che Brando cominciò il percorso di recitazione a New York perché “era accettato lì. Non era criticato. Era la prima volta nella sua vita che sentiva parlare bene di sé“. Passò i suoi primi mesi a New York vivendo a casa di amici, tra cui Roy Somlyo, che in seguito divenne un produttore di Broadway vincitore di quattro Emmy. Brando fu anche uno studente modello e sostenitore di Stella Adler, da cui apprese le tecniche del metodo Stanislavski.

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Questa tecnica incoraggiava l’attore a esplorare sia gli aspetti intimi, che quelli esteriori, per mettere in scena il personaggio rappresentato a tutto tondo. Il notevole intuito e il senso del realismo di Brando furono evidenti fin dall’inizio: Adler raccontava che quando insegnava a Brando, aveva istruito la classe a comportarsi come polli e aveva aggiunto che una bomba nucleare stava per cadere su di loro. La maggior parte della classe chiocciava e correva selvaggiamente, ma Brando sedeva tranquillamente e faceva finta di deporre un uovo. Alla domanda di Adler sul perché avesse scelto di reagire in quel modo, disse: “Sono una gallina, cosa ne so io di bombe?

Nonostante fosse comunemente considerato un attore di metodo, Brando non era d’accordo. Sosteneva di aver aborrito gli insegnamenti di Lee Strasberg:

Dopo che ho avuto un certo successo, Lee Strasberg ha cercato di prendersi il merito di avermi insegnato a recitare. Non mi ha mai insegnato nulla. Avrebbe rivendicato il merito del sole e della luna se avesse creduto di poterla fare franca. Era un uomo ambizioso ed egoista che sfruttava le persone che frequentavano l’Actors Studio e cercava di proporsi come oracolo e guru della recitazione. Alcune persone lo adoravano, ma non ho mai saputo perché. A volte andavo all’Actors Studio il sabato mattina perché Elia Kazan insegnava, e di solito c’erano un sacco di belle ragazze, ma Strasberg non mi ha mai insegnato a recitare. Lo fece Stella (Adler) e più tardi Kazan.

L’attore fu il primo a portare un approccio naturale alla recitazione su pellicola. Secondo Dustin Hoffman nel suo Masterclass online, Brando parlava spesso con i cameraman e i colleghi attori del loro fine settimana anche dopo che il regista aveva dato inizio ai lavori. Una volta che l’uomo sentiva di essere in grado di recitare il dialogo con la stessa naturalezza di quella conversazione, iniziava la scena. Nel suo documentario del 2015, Listen To Me Marlon, ha detto prima che gli attori erano come i cereali della colazione, prevedibili.

Un inizio difficoltoso

Brando usò le sue capacità del sistema Stanislavski per i suoi primi ruoli estivi a Sayville, New York, a Long Island. Brando stabilì un modello di comportamento erratico e insubordinato nei pochi spettacoli in cui aveva partecipato. Il suo comportamento lo fece cacciare dal cast della produzione della New School a Sayville, ma poco dopo fu scoperto in uno spettacolo prodotto localmente. Poi, nel 1944, arrivò a Broadway nel dramma agrodolce I Remember Mama, interpretando il figlio di Mady Christians. I Lunts volevano che interpretasse il ruolo del figlio di Alfred Lunt in O Mistress Mine, e Lunt lo istruì persino per la sua audizione, ma la lettura di Brando durante l’audizione fu così priva di entusiasmo che non poterono assumerlo. I critici teatrali di New York lo votarono però come “giovane attore più promettente” per il suo ruolo di veterano angosciato in Truckline Café, anche se l’opera fu un fallimento commerciale.

Nel 1946, apparve a Broadway come giovane eroe nel dramma politico A Flag is Born, e nello stesso anno interpretò il ruolo di Marchbanks accanto a Katharine Cornell nel revival della sua produzione di Candida, uno dei suoi ruoli simbolo. La Cornell lo scritturò anche come Messaggero nella sua produzione di Antigone di Jean Anouilh e gli fu anche offerta l’opportunità di ritrarre uno dei personaggi principali nella prima di Broadway di The Iceman Cometh di Eugene O’Neill, ma rifiutò la parte dopo essersi addormentato mentre cercava di leggere l’enorme sceneggiatura e descritto l’opera come “scritta in modo inetto e mal costruita”.

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Nel 1945, l’agente di Brando gli raccomandò un ruolo da co-protagonista in L’aquila a due teste con Tallulah Bankhead, prodotto da Jack Wilson. La Bankhead aveva rifiutato il ruolo di Blanche Dubois in Un tram chiamato desiderio, che Williams aveva scritto per lei, per girare la commedia per la stagione 1946-1947. Venne riconosciuto il potenziale di Brando, nonostante il suo disprezzo (condiviso dalla maggior parte dei veterani di Broadway) per il suo metodo di recitazione, e accettò di assumerlo anche se il provino era stato scarso. I due si scontrarono molto durante il tour pre-Broadway, con la Bankhead che ricordava a Brando sua madre, avendo anch’egli un problema di alcolismo.

I critici non furono altrettanto gentili: una recensione della performance di Brando in apertura valutò che l’attore stava “ancora costruendo il suo personaggio, ma al momento non riesce a impressionare.” Ricevette recensioni migliori nelle successive tappe del tour, ma ciò che i suoi colleghi ricordavano erano solo alcuni accenni al talento che avrebbe poi dimostrato. “Ci sono state alcune volte in cui è stato davvero magnifico“, ammise la Bankhead a un intervistatore nel 1962. “Era un grande attore quando voleva esserlo, ma il più delle volte non riuscivo nemmeno a sentirlo sul palco“.

Un prosieguo più fortunato

Dopo diverse settimane in tour, hanno raggiunto Boston, e la Bankhead era pronta a licenziarlo. Questo si rivelò una delle più grandi fortune della sua carriera, paradossalmente, in quanto si liberò per interpretare il ruolo di Stanley Kowalski nella commedia di Tennessee Williams del 1947 Un tram chiamato desiderio, diretta da Elia Kazan. La Bankhead lo aveva raccomandato a Williams per il ruolo di Stanley, pensando che fosse perfetto per la parte. In una lettera datata 29 agosto 1947, Williams confidò al suo agente Audrey Wood:

Non mi era mai venuto in mente prima quale eccellente valore avrebbe avuto il casting di un attore molto giovane in questa parte. Umanizza il personaggio di Stanley nel senso che diventa la brutalità e l’insensibilità della gioventù piuttosto che un vecchio vizioso … Un nuovo valore è venuto fuori dalla lettura di Brando che era di gran lunga la migliore lettura che abbia mai sentito.”

Brando ha basato il suo ritratto di Kowalski sul pugile Rocky Graziano, che aveva studiato in una palestra locale. Graziano non sapeva chi fosse Brando, ma assistette alla produzione con i biglietti forniti dal giovane. Disse: “Il sipario si è alzato e sul palco c’è quel figlio di puttana della palestra, e sta interpretando me.” Nel 1947, Brando eseguì un provino per una prima sceneggiatura dell’allora Warner Brothers per il romanzo Gioventù Bruciata (1944), che non aveva alcuna relazione con il film poi prodotto nel 1955. Il provino è incluso come extra nella versione DVD del 2006 di Un tram chiamato desiderio.

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Il primo ruolo sullo schermo fu quello di un veterano paraplegico in Il mio corpo ti appartiene (1950). Passò un mese a letto al Birmingham Army Hospital di Van Nuys per prepararsi al ruolo; il recensore del New York Times Bosley Crowther scrisse che Brando nei panni di Ken “è così vividamente reale, dinamico e sensibile che la sua illusione è completa” e notò che “dai silenzi rigidi e congelati può scatenarsi in una rabbia appassionata con la frenesia lacrimosa e guizzante di un cavo teso improvvisamente tagliato.”

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Brando portò anche la sua interpretazione di Stanley Kowalski sullo schermo in Un tram chiamato desiderio (1951) di Tennessee William. Il ruolo è considerato uno dei più grandi dell’attore. L’accoglienza della performance fu così positiva che Brando divenne rapidamente un sex symbol a Hollywood e il ruolo gli valse la sua prima nomination all’Oscar nella categoria Miglior Attore. Fu nominato anche l’anno successivo per Viva Zapata! (1952), un racconto romanzato della vita del rivoluzionario messicano Emiliano Zapata, diretto da Elia Kazan e interpretato da Anthony Quinn. Nel biopic Marlon Brando: The Wild One, Sam Shaw dice: “Segretamente, prima di iniziare il film, andò in Messico proprio nella città in cui Zapata viveva ed era nato e fu lì che studiò i modelli di discorso delle persone, il loro comportamento, i movimenti.” La maggior parte dei critici si concentrò sull’attore piuttosto che sul film, con Time e Newsweek che pubblicarono recensioni entusiastiche.

Da Giulio Cesare a Bulli e Pupe

Il film successivo di Brando, Giulio Cesare (1953), ricevette anch’esso recensioni molto favorevoli. L’attore interpretò Marco Antonio e, mentre la maggior parte della critica riconosceva il suo talento, alcuni critici pensavano che il “borbottio” di Brando e altre idiosincrasie tradissero una mancanza di basi di recitazione e, quando il suo casting fu annunciato, molti rimasero dubbiosi sulle sue prospettive di successo. Diretto da Joseph L. Mankiewicz e co-protagonista l’attore teatrale britannico John Gielgud, Brando fornì una performance impressionante, specialmente durante il noto discorso di Antonio “Amici, Romani, compatrioti…“.

Gielgud fu così impressionato che offrì a Brando un’intera stagione all’Hammersmith Theatre, offerta che egli declinò. Durante le riprese di Giulio Cesare, Brando apprese che Elia Kazan aveva collaborato con gli investigatori del Congresso, nominando tutta una serie di “sovversivi” alla Commissione per le attività antiamericane (HUAC). A detta di tutti, l’attore fu sconvolto dalla decisione del suo mentore, ma lavorò ancora con lui in Fronte del porto. “Nessuno di noi è perfetto“, scrisse in seguito nelle sue memorie, “e penso che Gadg abbia fatto del male agli altri, ma soprattutto a se stesso.

Nel 1953, Brando recitò anche in Il selvaggio, in sella alla sua moto Triumph Thunderbird 6T. L’azienda di Triumph però non era del tutto favorevole a questa presenza del brand, poiché il soggetto del film era caratterizzato da bande di motociclisti chiassosi che prendevano il controllo di una piccola città. Il film è stato criticato per la sua violenza gratuita, infatti questa pellicola ispirò ribellione in parecchi adolescenti dell’epoca e rese l’attore un modello per la nascente generazione del rock-and-roll e per future star come James Dean ed Elvis Presley. Dopo l’uscita del film ad esempio, le vendite di giacche di pelle e blue jeans furono alle stelle.

Dopo Fronte del porto, Brando rimase al primo posto al botteghino, ma i critici sostenevano sempre di più che le sue interpretazioni fossero mediocri, prive dell’intensità e dell’impegno che si trovavano nei suoi lavori precedenti, specialmente nel suo lavoro con Kazan. Ha interpretato Napoleone nel film Désirée del 1954 con Jean Simmons, dove egli mise poco impegno nel ruolo, affermando che non gli piaceva la sceneggiatura, e in seguito liquidò la pellicola come “superficiale e triste”.

Brando e Simmons furono di nuovo insieme nell’adattamento cinematografico del musical Bulli e Pupe (1955), il primo e ultimo ruolo musicale di Brando. Il Time osservò che la perfor Brando “canta in un tenore lontano che a volte tende ad essere piatto“. Apparendo nell’intervista di Edward Murrow all’inizio del 1955, ammise di avere problemi con la sua voce da cantante, che definì “piuttosto terribile”. Anche i rapporti tra Brando e il coprotagonista Frank Sinatra erano gelidi, e al loro primo incontro, Sinatra, a quanto si dice, affermò: “Non darmi nessuna di quelle stronzate dell’Actors Studio“. Brando in seguito scherzò: “Frank è il tipo di persona che, quando morirà, andrà in paradiso e darà del filo da torcere a Dio per averlo reso calvo“. Il film fu commercialmente anche se non di successo critico, costando 5,5 milioni di dollari per fare e incassando 13 milioni di dollari.

Brando ebbe inoltre il ruolo di Sakini, un interprete giapponese per l’esercito americano nel Giappone del dopoguerra, in La casa da tè alla luna d’agosto (1956), dove ha fatto la fame per calarsi nei panni del folletto, mentre in Sayonara (1957) apparve nel ruolo di un ufficiale dell’aeronautica militare degli Stati Uniti. Newsweek trovò il film un “noioso racconto dell’incontro tra i due“, ma fu comunque un successo al botteghino. Il film risultò controverso a causa della discussione aperta sul matrimonio interrazziale, ma si rivelò un grande successo, guadagnando 10 nomination agli Oscar, con Brando nominato come miglior attore. Questi furono i primi di una serie di film che Brando si sarebbe sforzato di fare nel decennio successivo e che contenevano messaggi socialmente rilevanti, grazie anche a una partnership con la Paramount per fondare la sua compagnia di produzione: Pennebaker, il cui scopo dichiarato era quello di sviluppare film che contenessero “un valore sociale che migliorasse il mondo”.

Il nome era un omaggio in onore di sua madre, scomparsa nel 1954. Secondo tutti i resoconti, Brando fu devastato dalla sua morte: il biografo Peter Manso sostenne che: “Lei era quella che poteva dargli l’approvazione come nessun altro poteva e, dopo la morte di sua madre, sembra che Marlon abbia smesso di preoccuparsi“. Brando ha nominato suo padre alla direzione di Pennebaker. Nel 1958, Brando apparve in I giovani leoni, tingendosi i capelli biondi e assumendo un accento tedesco per il ruolo, che in seguito ammise non essere convincente, di nuovo. Il film è basato sul romanzo di Irwin Shaw, e il ritratto del personaggio Christian Diestl era controverso per il suo tempo. L’attore e l’autore apparvero anche insieme per un’intervista televisiva con il corrispondente della CBS David Schoenbrun e, durante un duro diverbio, Shaw accusò Brando che, come la maggior parte degli attori, era incapace di interpretare la pura cattiveria.

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L’attore rispose affermando “Nessuno crea un personaggio se non un attore. Io interpreto il ruolo; ora lui esiste. È una mia creazione“. Brando chiuse il decennio apparendo in Pelle di serpente (1960) al fianco di Anna Magnani, basato su un’altra opera teatrale di Tennessee Williams, ma non fu certo il successo di Un tram chiamato desiderio, con il Los Angeles Times che etichettò i personaggi di Williams come “psicologicamente malati o semplicemente brutti”.

Un primo “ammutinamento”

Nel 1961, Brando fece il suo debutto alla regia nel western I due volti della vendetta, originariamente diretto da Stanley Kubrick, ma fu licenziato all’inizio della produzione. La Paramount fece allora diventare Brando il regista, oltre che il protagonista Rio, e Karl Malden interpreta il suo partner “Dad” Longworth. L’inclinazione di Brando per le riprese multiple e l’esplorazione dei personaggi si trasferì alla sua regia, e il film superò presto il budget stabilito; la Paramount si aspettava che il film impiegasse tre mesi per essere completato, ma le riprese si allungarono a sei e il costo raddoppiò a più di sei milioni di dollari. L’inesperienza di Brando come montatore ritardò anche la postproduzione e la Paramount alla fine prese il controllo del film, che fu inoltre fu recensito male dalla critica.

La repulsione dell’uomo per l’industria cinematografica sarebbe esplosa sul set del suo prossimo film, il remake della Metro-Goldwyn-Mayer de Gli ammutinati del Bounty, girato a Tahiti: qui l’attore fu accusato di aver deliberatamente sabotato quasi ogni aspetto della produzione. Il 16 giugno 1962, il Saturday Evening Post pubblicò un articolo di Bill Davidson con il titolo “Sei milioni di dollari buttati via: l’ammutinamento di Marlon Brando“. Il film fece quasi fallire la MGM e, mentre il progetto era stato effettivamente ostacolato da ritardi diversi dal comportamento di Brando, le accuse avrebbero perseguitato l’attore per anni mentre gli studios iniziavano a temere la difficile reputazione di Brando. I critici cominciarono anche a prendere nota del suo peso fluttuante, un andamento che non migliorò a seguire, anzi.

Distratto dalla sua vita personale, talmente tumultuosa che lo portò a essere padre di ben undici figli avuti da diverse partner, e disilluso dalla sua carriera, Brando cominciò a vedere la recitazione come un mezzo per un fine finanziario. I critici protestarono quando iniziò ad accettare ruoli in film che molti percepivano al di sotto del suo talento, o lo criticarono per non essere all’altezza dei ruoli migliori. Nel 1961 Brando firmò insolitamente un accordo di cinque film con gli Universal Studios che lo avrebbe perseguitato per il resto del decennio: Il brutto americano (1963) fu il primo di questi, basato sul romanzo del 1958 con il titolo omonimo, e aveva come protagonista la sorella di Brando, Jocelyn, valutato abbastanza positivamente ma fece flop al botteghino.

Brando fu nominato per un Golden Globe per la sua interpretazione, ma tutti gli altri film Universal in questo periodo furono anch’essi dei flop commerciali e di critica. Countess in particolare fu una delusione per Brando, che aveva atteso con ansia di lavorare con uno dei suoi eroi, il regista Charlie Chaplin. L’esperienza si rivelò infelice; Brando era inorridito dallo stile didattico della regia di Chaplin e dal suo approccio autoritario. Brando era apparso anche nel thriller di spionaggio Morituri nel 1965; anche questo non riuscì ad attirare il pubblico.

I grandi successi de Il Padrino e Ultimo Tango a Parigi

La critica stava diventando sempre più sprezzante del suo lavoro e non era apparso in un successo al botteghino da I giovani leoni del 1958, l’ultimo anno in cui si era classificato tra le Top Ten Box Office Stars e l’anno della sua ultima nomination agli Oscar, per Sayonara. L’interpretazione di Brando nei panni di Vito Corleone, il “Don”, ne Il padrino (1972, disponibile su Prime Video), l’adattamento di Francis Ford Coppola dell’omonimo romanzo bestseller di Mario Puzo del 1969, fu una svolta alla carriera, riportandolo nella Top Ten e facendogli vincere il suo secondo Oscar come miglior attore.

Il film fu seguito da un altro titolo famosissimo di Bernardo Bertolucci,  Ultimo tango a Parigi, del 1972, al fianco di Maria Schneider, ma la performance di Brando, molto nota, rischiò di essere oscurata da rivolte e contestazioni per il contenuto sessuale del film. Qui infatti egli ritrae un vedovo americano, Paul, che inizia un’anonima relazione sessuale con una giovane donna parigina, promessa sposa, di nome Jeanne. Come nei film precedenti, Brando si rifiutò di memorizzare le sue battute per molte scene; invece, scrisse le sue battute su dei gobbi e li affisse in giro per il set, lasciando a Bertolucci il problema di tenerle fuori dalla cornice. Il film presenta diverse scene intense e grafiche che coinvolgono gli attori, tra cui il caso dello stupro di Jeanne, che si presumeva non fosse consensuale, e l’arrabbiato ed emotivamente carico confronto finale di Paul con il cadavere della moglie morta. La pellicola controversa fu comunque un successo, e Brando entrò per l’ultima volta nella lista delle Top Ten Box Office Stars.

Accanto a questo successo però, nel 1973, Brando fu devastato dalla morte del suo migliore amico d’infanzia Wally Cox. Brando dormì nel pigiama di Cox e tolse le sue ceneri alla vedova, la quale stava per fare causa per la loro restituzione, ma alla fine cedette affermando: “Penso che Marlon abbia bisogno delle ceneri più di me”.

Dopo essere apparso nel ruolo del magnate del petrolio Adam Steiffel in The Formula del 1980, che fu accolto male dalla critica, Brando annunciò il suo ritiro dalla recitazione. Tuttavia, tornò nel 1989 in Un’arida stagione bianca, basato sul romanzo anti-apartheid del 1979 di André Brink. Brando accettò di fare il film gratuitamente, ma si scontrò con il regista Euzhan Palcy su come il film fu montato. L’attore ricevette però elogi per la sua performance, ottenendo una nomination all’Oscar come miglior attore non protagonista e vincendo il premio come miglior attore al Tokyo Film Festival. Negli ultimi anni recitò anche accanto al suo amico Johnny Depp nel film di successo Don Juan DeMarco (1995) e nel controverso Il coraggioso (1997) di Depp, che non fu mai distribuito negli Stati Uniti.

Gli ultimi anni travagliati

Le interpretazioni successive, come la sua apparizione in Cristoforo Colombo – La scoperta (1992) (per il quale fu nominato come “Peggior attore non protagonista”), L’isola del dottor Moreau (in cui vinse il premio come “Peggior attore non protagonista”) (1996), e la sua appena riconoscibile apparizione de In fuga col malloppo (1998), hanno portato ad alcune delle peggiori recensioni della sua carriera. L’ultimo film di Brando, The Score (2001), fu accolto generalmente in modo positivo. Nel film, in cui ritrae un ricettatore, ha recitato con Robert De Niro.

La notorietà di Brando, la sua travagliata vita familiare e la sua obesità hanno determinato il declino nell’ultimo periodo della sua vita. Ha guadagnato molto peso negli anni ’70 e dall’inizio alla metà degli anni ’90 pesava oltre 140 kg, soffrendo anche di diabete di tipo 2. Ha avuto una storia di cambiamenti di peso corporeo durante la carriera che, in generale, ha attribuito all’eccessiva alimentazione dovuta allo stress. Come abbiamo letto, si guadagnò anche la reputazione di essere difficile sul set, spesso non volendo o non potendo memorizzare le sue battute e meno interessato a prendere la direzione del regista, avanzando anzi strane richieste.

Il 1 luglio 2004, Brando morì di insufficienza respiratoria da fibrosi polmonare presso l’UCLA Medical Center. La causa della morte fu inizialmente nascosta. Poco prima della sua morte e nonostante avesse bisogno di una maschera di ossigeno per respirare, aveva registrato la sua voce per apparire in Il padrino: Il gioco, ancora una volta come Don Vito Corleone. Tuttavia, Brando registrò solo una linea a causa della sua salute, e un imitatore fu assunto per finire le sue linee di dialogo. La sua singola battuta registrata fu inclusa nella versione finale come tributo all’attore.

Pare inoltre che, poco prima della sua morte, l’attore avesse rifiutato di dare il permesso di inserire tubi per trasportare ossigeno nei polmoni, l’unico modo per prolungare la sua vita. Brando fu cremato, e le sue ceneri furono messe insieme a quelle del suo amico Wally Cox e di un altro amico di lunga data, Sam Gilman. Furono poi disperse in parte a Tahiti e nella Death Valley, facendo perdere così ogni traccia terrena di un attore indimenticabile nella storia cinematografica.